WESTERN parte 1: EL TREN DE LAS 3:10

Remake actualizado del clásico de serie B con Van Hefling y Glenn Ford y basado en un cuento de Elmore Leonard publicado en 1953 y rodada por Elmer Daves en 1957, ha sido para mí la mayor sorpresa que me he llevado yendo al cine el 2008.

Dirigido por James Mangold, autor de la estupenda Cop Land (influenciada por la obra de Elmore y Daves) y del correcto biopic sobre Johnny Cash En la Cuerda Floja, nos describe como un tullido veterano de la guerra de secesión americana, Dan Evans, debe luchar por la supervivencia y respeto de su familia contra la sequía y el desahucio que están acabando con su rancho. Un hombre honrado cargado por la culpabilidad de un pasado oscuro que trata de sacar adelante a su mujer e hijos.

Por el camino consigue detener a Ben Wade (R. Crowe), un carismático líder de una banda de temibles cuatreros con una extraña sensibilidad y carácter manipulador, al que debe transportar a la prisión de Yuma. La recompensa que cobre por formar parte del grupo de alguaciles supone la salvación de su rancho y de gran parte de sus problemas. Pero la banda de Wade, dirigida por su mano derecha, un tal Prince apodado Princesa despectivamente, entra en acción para rescatar a su jefe.

El protagonista, Christian Bale, en plena racha como el nuevo héroe de acción de la década, muy lejos de los semidioses de los 80 como Chuck Norris, Charles Bronson o Dolph Lundgren. A su izquierda el gran Peter Fonda, como un representante de la ley de moral muy discutible. Un detalle en un gran acierto del guión, en el que aparte del héroe y unos pocos más, el resto del reparto escenifica la ambigüedad y corrupción de un mundo duro y hostil nada idealizado.

En pleno declive del cine comercial estadounidense, resulta muy llamativo que una película de un género considerado más que muerto y enterrado ofrezca una de las mejores historias del año.

No es la primera, todos recordamos ejemplos como Bailando con Lobos y Sin Perdón, con permiso de la filmografia de John Carpenter, plena de western encubiertos que nos recuerdan cual es, para mí, el género más cinematográfico de todos. Tanto que nos hace olvidar que estamos viendo cine de tipo histórico y que él mismo nos hace creer que la historia real de los Estados Unidos es la de las película de indios y vaqueros.

La puesta al día de El tren de las 3.10 a Yuma viene más por unos detalles de ambientación que nos la hace más creible y apreciable a los gustos actuales y por una relectura y recuperación de algunas situaciones y personajes que no se desarrollan en la película original.

Como la relación entre Evans y Wade con el hijo del primero. Decepcionado por el incomprendido de su padre encuentra en el carismático criminal un ejemplo y modelo paternal. La figura del cuatrero y asesino Wade, un malvado muy complejo que demuestra ser también un artísta poseedor de una rara sensibilidad y cultura para el salvaje Oeste, aunque no pare de recordar quien es.

Unos secundarios de lujo, Peter Fonda en la piel de un justiciero a sueldo tan terrible como los hombres que persigue y un honesto veterinario, Alan Tudick. Obligado a servir de médico para la partida policial. Tambien contamos con la belleza serena y responsable de la esposa del protagonista, Gretchen Mol que afronta las desgracias y el fracaso de su matrimonio.

El violento Prince (Ben Foster), es de lo mejor del flim. El verdadero malvado de la función, un talento del mal que fiel a su líder, organiza el caos en torno a los protagonistas y lugareños. Un personaje que enriquece mucho mucho la historia. No es como el "malo" simpático que interpreta Crowe, si no un tipo verdaderamente peligroso.

En mi opinión estamos ante una película redonda, en la que un solido guión nos desgrana una historia llena de fuerza que ahonda en los aspectos psicológicos de sus protagonistas sin olvidar mostrar grandes escenas de acción narradas con pulso, con unos personajes muy logrados, apoyado todo con un gran reparto y dirección. Un clásico moderno, aunque le deba mucho al original, una película discreta y olvidada.

Dirección: James Mangold. País: USA. Año: 2007. Duración: 117 min. Género: Western, drama. Interpretación: Russell Crowe (Ben Wade), Christian Bale (Dan Evans), Logan Lerman (William Evans), Ben Foster (Charlie Prince), Peter Fonda (Byron McElroy), Vinessa Shaw (Emma Nelson), Alan Tudyk (Doc Potter), Luce Rains (Weathers), Gretchen Mol (Alice Evans), Dallas Roberts (Grayson Butterfield). Guión: Halsted Welles, Michael Brandt y Derek Haas; basado en un relato corto de Elmore Leonard. Producción: Cathy Konrad. Música: Marco Beltrami. Fotografía: Phedon Papamichael. Montaje: Michael McCusker. Diseño de producción: Andrew Menzies. Vestuario: Arianne Phillips. Estreno en USA: 7 Septiembre 2007. Estreno en España: 5 Septiembre 2008.

WESTERN Parte 2. APPALOOSA

Adaptación de la novela homónima de Robert E. Parker, de la que se quedó prendado Ed Harris durante los descansos del rodaje de "Una historia de violencia" (David Croneneberg 2005) en la que también se hizo amigo de Viggo Mortensen, comprometiendose despues a trabajar juntos. Una vez con el proyecto en marcha y de rebote, revisando la obra del bueno de Viggo, Harris descubrió a Ariadna Gil que había sido la partenaire de Mortensen en la mediocre Alatriste. Atraido por la buena química entre ambos, la fichó sin pensarselo.

Para mi ha sido, a continuación de la mágnifica El tren de las 3.30 a Yuma, otra agradable sorpresa y ejemplo de buen cine en el 2008, otra vez un western.

Ed Harris se muestra como todo un clasicista de los que ya no abundan, junto a Eastwood, Carpenter y alguno más quizás. Y como un autor completo, es director, productor y protagonista, así como uno de los guionistas e interprete de uno de los temas de la banda sonora en su segundo flim, demuestra ser un talento multidisciplinar de una dignidad encomiable.

Desarrolla una historia con unos personajes atractivos y originales, como los de los protagonistas, dos honestos justicieros a sueldo que imponen la ley allá donde se lo pidan en un mundo salvaje y aún por civilizar y que son grandes amigos, sin poder ser de otra forma.

Pues este es el tema central de la historia. La amistad.

Harris y Mortensen transmiten su camaradería y buen rollo haciendo creible a sus personajes, tipos duros de pocas palabras aunque no exentos de sensibilidad y educación, en oposición a la vida violenta que deben asumir y de la que no habrían sobrevivido de no ser así. El uno por el otro, a cambio de nada.

René Zellwegger y Ariadna Gil son el contrapunto femenino, lejos de personalizar tópicos o de ser el simple motor romántico de la historia se muestran como mujeres reales. La primera se presenta como una señorita culta de ciudad, que resulta ser una viuda algo amoral que se enamora del protagonista aunque incapaz luego de serle fiel. Gil es la chica del bar, presumiblemente una prostituta hispana o mestiza (la historia transcurre en el Nuevo Méjico de los 1880) que se enamora de Hitch (Mortensen) y que resulta ser luego la discreta y fiel compañera de este. Tambien dá el punto de belleza y sensualidad, en contraste del (prejuicioso) origen de su propio personaje y de la apariencia inicial de la viuda French (Zellwegger) que detrás de su aspecto delicado esconde una mujer, como decía y en otras palabras, manipuladora y simpaticamente descocada.

El malo de la función, Jeremy Irons (Randall Bragg) es el ranchero y propietario de las minas que dieron lugar al pueblo, al que mantiene aterrorizado gracias a sus hombres, una banda de asesinos. Protegiendoles mata a sangre fría al viejo sheriff, lo que excusa la aparición de los héroes y el resto de la historia. No es el personaje más logrado, ya que a la larga sufre un cambio de actitud no muy justificado, aunque él mismo es siempre el motor del flim, la causa de todo lo que ocurre.

Los secundarios van a juego con los protagonistas, gente de todo tipo que sirven como apoyo y contraste de estos, que enriquecen y matizan la historia sin servir nunca como una mera cuenta de cuerpos (por los tiroteos) o de meros comparsas y contrapuntos dramáticos.

Para mi los defectos de Appaloosa son relativos, el metraje es algo largo pero incluso las escenas más gratuitas aportan detalles a la ambientación. Tenemos un narrador imposible que nos chafa un posible final y el personaje de Jeremy Irons puede resultar poco creible pero pensando en el desenlace resulta coherente. Quizás mal explicado pero manteniendo una lógica interna que quizás esté mejor desarrollada en la novela original, que aún no he leido, no diré más.

Por el resto tenemos una narración contada con buen pulso, detallista y cuidada en todos los aspectos, plena de lírica y creible, sin verdaderos buenos o malvados. Cuenta con unos buenos diálogos y un excelente reparto, el guión se expresa sin moralinas ni mensajes y nos muestra a unos héroes falibles, golpeados y heridos en todos los sentidos pero que no dejan de luchar y ser fieles a sí mismos.

Dirección: Ed Harris. País: USA. Año: 2008. Duración: 114 min. Género: Western. Interpretación: Ed Harris (Virgil Cole), Viggo Mortensen (Everett Hitch), Renée Zellweger (Allison French), Jeremy Irons (Randall Bragg), Timothy Spall (Phil Olson), Lance Henriksen (Ring Shelton), Tom Bower (Abner Raines), James Gammon (Earl May), Ariadna Gil (Katie).Guión: Ed Harris y Robert Knott; basado en la novela de Robert B. Parker. Producción: Ed Harris, Robert Knott y Ginger Sledge. Música: Jeff Beal. Fotografía: Dean Semler.Montaje: Kathryn Himoff. Diseño de producción: Waldemar Kalinowski. Vestuario: David Robinson. Estreno en USA: 3 Octubre 2008. Estreno en España: 21 Noviembre 2008.

MICAH P. HINSON, Porreres 15 de noviembre 2008

Sus orígenes humildes y una vida complicada a causa de una familia integrista y una tormentosa relación, problemas con las drogas, pobreza y cárcel, todo facilmente consultable en la wikipedia, dieron lugar a un montón de canciones llenas de lirismo sensibilidad crudeza y alaridos.

Como no, la música ambiental previa al concierto para poner al público en situación no podría ser de otro que Johnny Cash.

El concierto se puede resumir en que fue la actuación de un gran cantante y una gran banda, compuesta por un amigo y su esposa, minimalista pero más que suficiente.

Lo que más recuerdo es la frase de Hinson, preguntándonos si lo estábamos pasando bien, la respuesta fue un rotundo "yes!" al que se refirió, traduciendo libremente:

"no mintáis mamones, si me escucharais estaríais jodidos".

http://www.fonart.com/concerts/micah-phinson-auditori-porreres-mallorca.php
http://www.fonart.com/galeria/fotos-micah-phinson-porreres-mallorca.php

PROMÉTEME Y BLUE GIPSY

A posteriori y como excusa al quizás, hasta ahora, agotamiento de contenidos en la obra de Kusturica, podríamos trata Blue Gipsy y Prométeme de películas gemelas, comparten estilo y tono y protagonista.

...No, espera, no creo que fuera esa la intención, ya desde Gato Negro Gato Blanco, con La vida es un milagro por en medio, ha seguido esa dinámica. La verdad es que las últimas pelis de Kusturica ya son un género en si mismo, el de comedias esperpenticas sobre bodas y funerales entre rústicos y mafiosos. Bueno, las últimas últimas no, tiene el documental sobre Maradona y anunció que iba a rodar un biopic sobre Pancho Villa, dando, después de todo esto, un esperado giro a su filmografia.

Justo antes de realizar Gato Negro... anunció su retirada, desengañado del mundo del cine, recuperado para el mismo gracias a sus amigos músicos, no recuerdo si de la banda que actuaría después en Gato Negro... o sus camaradas de la No Smoking Orchestra y desde entonces no ha parado en hacer comedias, totalmente caóticas, seguramente para pasárselo bien él y todos los participantes y espectadores.

Blue Gipsy para mí es la mejor del ciclo de cortos que componen All the Invisble Children, en donde se cuentan diversos aspectos de los problemas de los niños más necesitados.

Pese a que cuenta la vida de un muy joven delincuente preso de un correccional, miembro de una familia de carteristas y maltratado por su padre, en todo momento no puedes dejar de verla con una sonrisa. Deja un mensaje muy positivo y de esperanza, sin recrearse nunca en efectismos ni caer en el melodrama. Algo muy complicado, siempre es más difícil hacer una buena comedia que un drama. Hacer llorar al público en una obra de ficción es muy sencillo.

Prométeme como decía, comparte estilo, situaciones y protagonista con Gitano Azúl. Aparte de eso también es una crítica al progreso, en cualquier sentido, en la sociedad serbia, a las puertas de la Unión Europea y Occidente.
Los cuáles junto al mundo urbano, representan la corrupción el caos y la violencia frente al mundo rural de dónde procede el protagonista. La historia es un viaje iniciático de un chaval de aldea en dónde descubrirá el amor y el sexo o el verdadero valor de las cosas. Se encontrará con amigos inesperados y enemigos... la verdad, peligrosos pero ridículos.

Miki Manojlovic, uno de los nuestros.

PROMÉTEME

Dirección: Emir Kusturica. Países: Serbia y Francia. Año: 2007. Duración: 137 min. Género: Comedia. Interpretación: Marija Petronijevic (Jasna), Uros Milovanovic (Tsane), Ljiljana Blagojevic (profesora), Aleksandar Bercek (abuelo), Kosanka Djekic (madre de Jasna), Miki Manojlovic (jefe), Stribor Kusturica (Topuz), Vladan Milojevic (Runjo). Guión: Emir Kusturica y Ranko Bozic; basado en un argumento de Rade Markovic. Producción: Olivier Delbosc, Marc Missonnier, Maja Kusturica y Emir Kusturica. Música: Stribor Kusturica. Fotografía: Milorad Glusica.Montaje: Svetolik Mica Zajc. Diseño de producción: Radovan Markovic. Vestuario: Nebojsa Lipanovic.

BLUE GIPSY

Dirección: , Emir Kusturica. Guión: Stribor Kusturica. Fotografía: Milorad Glusica. Música: Stribor Kusturica, Zoran Marijanović, Dejan Sparavalo, Nenad Janković. Con:Uroš Milovanović, Dragan Zurovac, Vladan Milojević. Forma parte del film coral de autores "All the invisible Children.

JOHNNY CASH. Parte 2

Johnny Cash al casarse con June entró a formar parte del clan Carter y el clan Carter pasó a integrarse en los shows de Johnny Cash.
La gran familia Cash no incluye únicamente como artista al propio Johnny y la Carter Family. Aparte de varios de sus hijos que en algún momento han seguido sus pasos y siguen en activo hay otro hijo de Ray y Carrie Cash cantante y músico:

Tommy Cash.

Ocho años más joven que Johnny y aún actuando, ha seguido también una carrera como dj y cantante country discreta, pero estimable aunque con algunos éxitos en los sesenta.

The Killing Moon

PRIMER FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE Y DERECHOS HUMANOS EN MALLORCA

El que haya entrado en mi blog de ilustrador-diseñador y chico para todo ya estará cansado de ver el diseño y los desarrollos del cartel y del logo para la imágen corporativa y merchadising del flamante y aún inédito I F.I.C.D.H.M. que se celebrará a finales de noviembre como ya está reseñado.

Un proyecto salido de varios miembros del viejo Colectivo Recerca y de Pruaga, entre los que me encuentro, como explico en mi historial de la barra derecha.

Las intenciones del mismo son muy claras, bien reflejadas por su título y contenidos. Es un tema muy amplio que puede dar espacio a muy diversos y a veces poco conocidos filmes que de poder desarrollarse el festival, podremos disfrutar en Mallorca.

Espero, durante los próximos días, realizar una crónica del mismo que además se complementará con los comentarios como responsable artístico del tema que ya estoy incluyendo como decía más arriba.

JOHNNY CASH. Parte I

Chicken in black

A finales de la década de los ochentas, cuando su carrera comercial estaba de capa caída y ya no recibía el apoyo de las discográficas, más pendientes de buscar nuevos valores para un público joven, Johnny Cash decidió dar carpetazo al asunto creando un disco absurdo que obligase a que lo despidieran y así dedicarse a actuar solo para sus fans y tocar la música que él quisiera.

El videoclip, una autoparodia de sus canciones más famosas y de sí mismo fue el golpe de gracia en su plan suicida. Por suerte, su nueva situación no iba a durar demasiado. Años más tarde, en 1994, Rick Rubin (American Records, Aerosmith, Beasty Boys, Danzig, RHCHP, Metallica, etc.), buscando un nuevo reto en su carrera, al no poder trabajar con Roy Orbison debido a su fallecimiento, convenció a Cash para ser su nuevo productor y volver a los estudios y grabar los que serían sus últimos discos, de los mejores en su carrera.

Fue un éxito que se dejó notar en gran parte sobre un público joven y ajeno al country y al folk norteamericano.

POBLACIÓN

Pantalla de uno de los temas del nuevo producto de Cibal, centrado en la concienciación sobre la protección del medio ambiente y algunos aspectos sociales relacionados. Entre otros, me tocó preparar el apartado relacionado con las sociales, uno de mis temas favoritos de siempre, como se notará leyendo mis blogs. Disfrute como pocas veces haciendo este trabajo, aún siendo de lo más extenso y enrollado de todo el juego y quizás la parte menos publicitada, pues no es una referencia directa al ecologismo que transmite el juego en su conjunto.

Al ser una obra destinada a la enseñanza primaria y a toda clase de público, a veces puede resultar algo delicado tratar ciertos temas, como los problemas sociales y la política, más que nada para conseguir un retrato de conjunto fácil de entender y sencillo, queriendo dar solo una definición básica de lo que pueda estar pasando actualmente sin entrar en interpretaciones ni partidismos, de eso ya tenemos de sobra en los medios, siendo un juego muy estúpido en el que es mejor no entrar.

En lo artístico, exceptuando la técnica, pude alejarme del estilo de la empresa para crear unos diseños más acordes, en mi opinión, a la expresión que necesitaba. Creando unos personajes y unas figuras con un nivel de iconicidad muy básico pero expresivo, por el pequeño tamaño que tendrían las figuras en el mapamundi, ilustrando los temas de población, comercio, desigualdades sociales, industria y guerra que forman el tema.

Corel Draw y Flash.

Otras dos pantallas de juego del mismo tema, en una se muestra el impacto de nuestra civilicación sobre la naturaleza y en la inferior, se resumen las condiciones que afectan la composición de la población en general.

Incluí algunos detalles personales, como una de las motos que tuvo mi padre y el parecido bastante obvio de algunos de los personajes con gente de la vida pública en general.

Corel Draw y Flash.

PAUL NEWMAN, 1925 2008.

MOMENTOS MUSICALES

OJOS VERDES. Lucius Shepard

Cuando escribí la reseña de Mi vida entre los muertos, recordé la novela de Shepard, es posible que fuera una de las referencias o el punto de partida inspirador del francés para realizar su cuento de zombies agradables pues tambien plantea una forma original y algo parecida sobre el mito de los reavivados.

Su acercamiento consiste en buscar una explicación cientifica que hace posible que el ritual vudú cree verdaderos zombies. En este caso, vueltos del más allá durante un tiempo limitado, los zombies, sin recordar nada de su vida anterior desarrollan habilidades sobrehumanas capaces de revolucionar las ciencias, el arte... chocando como no, de nuevo, con la manipulación, incomprensión y miedo de la sociedad que los ha creado. En el fondo, ambas novelas son variaciones enriquecidas de una constante en el género desde la publicación de Frankenstein, pero eso demuestra que su mensaje funciona.

El libro es muy interesante y recuerdo, pues lo leí hace bastante bastante tiempo, una lectura absorvente que me dejó un buen sabor de boca. Lo recomiendo fervientemente.

OJOS VERDES. Lucius Shepard. Editorial Jucar. 1989
Rústica ISBN 10: 84-334-4028-4. Tapa dura ISBN 13: 9788433440280

FAITH NO MORE. Introduce Yourself

MI VIDA ENTRE LOS MUERTOS. Serge Brussolo

Novela de ciencia ficción que plantea un futuro cercano, una realidad paralela de la nuestra en donde (sin más explicaciones, lo que en sí no está mal, aunque por momentos hace inverosímil una obra que pretende, a ratos, ser naturalista) se desarrolla una tecnología que permite revivir a los muertos que han sido previamente embalsamados de una forma especial. Ambientada en los E.E.U.U., una joven y atractiva madre soltera y su hijo de 12 años, parten a cubrir la plaza como guardas y bedeles de uno de los campos de internamiento en los que se han concentrado a los zombies, después de que una serie de vicisitudes sociales terminen por aislarlos.

Con un estilo dirigido al público más juvenil y con algunos titubeos narrativos que no definen bien a los personajes y a algunas situaciones, como los hechos que desembocan el final de la historia y que pedían un mayor desarrollo o ser menos ingenuos. Este es uno de los males, desde mi punto de vista, de la novela actual, demasiado breve y superficial en muchos casos.

Brussolo, en lo positivo, nos plantea lo que para mi es el punto de vista más original y renovador del fenómeno zombie más reciente. A pesar de algunos defectos narrativos y de estilo, es una obra salpicada de sensibilidad en donde por momentos, sin ser una novela de terror sabe crear situaciones inquietantes y extrañas, inspiradas en situaciones que se han dado realmente.

Como la buena ciencia ficción, también es un retrato de lo personal y social de nuestra cultura. Su lectura es ágil y rápida, en parte gracias a una edición que infla el número de páginas y nos deja unos textos enormes, la novela pide a gritos una versión ilustrada.

Dandole un buen repaso, es ideal para una adaptación al cómic y al cine.

MI VIDA ENTRE LOS MUERTOS. Serge Brussolo.
Editorial: Minotauro. 2004. ISBN: 8445075276.

BRING BACK A-TEAM (parte 1).

Divertido entretenido y respetuoso homenaje a El Equipo A perpetrado por un Überfan británico al servicio de la BBC.

En el contexto de la cansina y forzada moda que sufrimos actualmente hasta que llege la forzada y cansina moda por los 1990's, por todo aquello relacionado con la década de los 1980, era de esperar si no un revival directo, sí al menos el típico reportaje en plan ¿Qué fue de...? siempre agradable si está hecho con calidad. Lo del revival directo puede cumplirse si se realiza el proyecto amenaza de una película que lleve al cine las aventuras de los muchachos del coronel Hannibal Smith que tanto se ha rumoreado.

Para mi gusto, y de emitirse en este país, debería completarse con la aparición de Antoñita la Fantástica Obregon y otros artistas invitados como Boy George. Semejante castigo sería compensado si nos narraran como fueron tratados por el (mal) genio de George Peppard.

BRING BACK A-TEAM (parte 2).

Por otra parte, una forma inteligente de hacer revival, a parte de asumir las lógicas influencias (manteniendolas como solo eso, influencias) es la de recrear nuevas versiones que atrapen el original en espíritu aunque con una actualización más o menos profunda.

Entre lo más destacado y perdurable, por una razón u otra, representantes de este gremio (auto)referencial, son por ejemplo el productor de cine George Lucas y su cada vez más eterno recaudatorio y hierático ciclo de la Guerra de las Galaxias. Menos faraónico se propone el retorno de Star Trek y al otro lado la casi irreconocible a veces sexy, a veces profunda Galáctica. A parte, la filmografía completa de Tarantino, género cinematográfico recreador y referencial en si mismo y otros, como la saga Bond, una permanencia en las pantallas como lo fue en su momento el Western y las aventuras de Sherlock Holmes.

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EL ÚLTIMO VIAJE DEL JUEZ FENG.

Aproximación al mundo rural chino. Las aventuras de un tribunal ambulante en la China más profunda en un viaje que será definitivo para las vidas de sus integrantes. Sensible, cómica y poética se aproxima hacía su final al drama.

Aún reuniendo un plantel técnico y artísticos casi desconocidos para nosotros, el estilo de la película, en un tono cercano a veces al documental, a veces próximo al neorrealismo italiano, es muy occidental, pese a su pausada narrativa. Citando al propio Liu Jie, director del flim, cuenta como en Venecia, el publico se emocionaba con su historia mientras que en China la respuesta del mismo era mas fría, por la cercanía de la película a sus propios problemas.

Su argumento, basado en situaciones reales y empleando a aficionados y lugareños como actores para la mayor parte del reparto, trata de describir la realidad del interior de una China, la provincia de Yunnan, muy tradicional y etnicamente variada en pleno choque contra su parte más urbanita y moderna.

Esto queda totalmente encarnado en la relación de los tres funcionarios que forman el tribunal ambulante para una región aislada, el Valle del Gallo, donde el nombre de cada pueblo se corresponde con una parte de la anatomía del pájaro.

El difícil trabajo del juez Feng, dirimiendo los asuntos de los pueblerinos, sus compañeros y propios, se describe muy bien cada vez que termina su circuito, entrando por la Cabeza de Gallo y saliendo, exhausto, por su Culo.

Años de experiencia y su integración en la cultura local hacen sus resoluciones heterodoxas para alguien como su nuevo ayudante, un joven licenciado de la capital, Ah Luo que desea imponer a rajatabla las leyes del gobierno. En medio, Tia Yang, funcionaria escogida por pertenecer a una de las minorías étnicas locales, a punto de jubilarse, es algo más que la compañera y apoyo del Juez.

Y aunque el choque cultural entre lo tradicional y moderno es el eje de la historia, otros detalles, que son los que realmente dan fuerza y credibilidad al flim, tienen mucha importancia y están genialmente descritos. Como la relación frustrada entre el Juez y su vieja compañera, el del nuevo ayudante inexperto y ortodoxo que acabará rompiendo con... (mejor ver la peli), el retrato de los mismos campesinos a los que sirven, de la soledad, del paso del tiempo, de la vejez, de las relaciones familiares, de la amistad, y por último del paisaje, mostrado con una importancia tal que en si mismo es otro personaje más.

Dirección: Liu Jie. País: China. Año: 2006. Duración: 101 min. Género: Drama. Interpretación: Li Baotian (juez Feng), Yang Yaning (Yang), Lu Yulai (Ah-Luo).Guión: Wang Lifu. Producción: Liu Jie y Hsu Hsiao-Ming. Fotografía: Harrison Zhang. Montaje: Liao Ching-Song. Dirección artística: Cao Jiaan.

http://www.karmafilms.es/elultimoviajedeljuezfeng/

THE MINNIKINS. Pati d'ARCA, Pecan Pie, jueves 31 de julio, entradas en benefício para Intermon-Oxfam

Video de la actuación. Estaba sentado justo junto a la cámara sin saberlo.

Ruth Minnikin.

Teloneados por el esforzado Carlos Tejedor, los simpáticos y canadienses hermanos Minnikin actuaron en el bonito patio del edificio de la asociación Arca. Un viejo edificio restaurado del casco viejo de Palma, uno de los típicos patios de caserón mediterraneo. Los tres artistas se pueden encuadrar dentro del amplio abanico que supone la etiqueta americana, un apodo a un estilo que va del country al blues rock, música de raíces, con notas comunes que engloban a gente como Johnny Cash, The Jayhawks, parte de Tom Waits o Mark Lannegan, así como otros cantautores con ramalazos folkies.

Fue un bonito espectaculo en donde solo destacaría por el lado negativo lo innecesario de las sillas para el público. Para un concierto de este tipo lo mejor es estar de pie, muchas canciones pedían baile y con el calor el estar sentado adormecía. Y eran incomodas y ruidosas, pues al ser metálicas, cualquier roze provocaba chirridos. Tambien el calor húmedo valió alguno de los comentarios de Gabe Minnikin que junto con su hermana Ruth, no dejaron de deshacerse en elogios para el lugar, bromeando por el agua que debían beberse para aguantar el calor y comentando la rotura de una de sus guitarras. Lo que explicaba el continuo intercambio de instrumentos entre los dos según la canción.

Ademas explicaban detalles personales, como sus orígenes en Nueva Escocia, algunas bromas respecto a la nueva vida de Gabe en Inglaterra y alguna explicación sobre los temas que iban interpretando.

Su estilo, como escribía más arriba, es una confluencia de country, blues y música tradicional norteamericana, que va de lo enérgico y vivaz a lo emotivo y melancólico. Tocados con verdadera pasión y sentimiento.

Una gran suerte el poder haberlos visto y escuchado.

Gabe Minnikin.

Fotos y reseña en: http://www.pecan-pie.org/

DONNIE DARKO. Richard Kelly (2001)

"¿Y si pudieras volver atrás en el tiempo no cogerías todas las horas de dolor y tristeza y las cambiarías por... por algo mejor?

Donnie Darko para mí se muestra como uno de los clásicos del cine actual. Plantea una historia inteligente, accesible y bien construida, contiene muchas influencias pero no resulta un pastiche referencial continuo de citas a otras obras de moda o culto, se basa en un guión muy consistente que sabe definir un contexto y unos personajes en unas pocas frases y escenas y que por supuesto sabe desarrollar y dar un buen final a su historia y dotarla de infinidad de detalles y matices que hacen muy recomendable su revisión. Cuenta con un gran reparto con los que en su momento eran jovenes promesas como los hermanos Gyllenhall, o a Drew Barrymore y Patrick Swayze en papeles fuera de la media de sus carreras, o actrices en general secundarias pero grandes como Mary McDonnell y la maravillosa Jena Malone.

Y la banda sonora juega un papel muy importante, siendo otro apoyo que ilustra a la acción, además de ser muy evocadora a la época en la que se ambienta la película, aunque fuera de tópicos y referencias fáciles u obvias. No estamos ante ese tipo de flims en los que un flashback a la decada de los 70 se resuelve con el riff más oído de Hendrix o un estribillo de los Doors. Yo mismo no conocía o recordaba muchas de sus canciones. Eso las famosas, porque la banda sonora propia de D. Darko acompaña la trama eficazmente sin trucos ni efectismos.

D. Darko es la versión oscura de todas esas películas para adolescentes de sabado tarde.

Una visita a la Interzona o a la Logia Negra, donde siempre hay música en el ambiente, por parte de El Club de los Cinco:

Finales de los ochenta, Donnie es un chico con problemas, inteligente y sensible, es sonambulo y esquizofrénico. No se toma la medicación y es un problema para su paciente familia de clase media alta. Su estado mental se agrava a raíz de un extraño accidente. A partir de ese momento comienza a tener visiones. Estudia en un colegio privado, de uniforme, donde debe bregar entre los típicos compañeros frikis o matones de pasillo además de profesores repelentes y moralistas o agobiados y jovenes que tratan de inculcar algo de librepensamiento.

El verdadero uniforme de Donnie.

Con este planteamiento se construye una historia aparentemente surrealista y confusa, pero que trata sobre el existencialismo, los viajes en el tiempo y las paradojas. Todas las acciones importantes, y son muchas, tienen su reflejo o explicación en algún otro momento de la película y se apoyan en detalles y dialogos a veces sin mucha importancia que refuerzan su argumento

Todos los personajes tienen algo que decir o mostrar y forman parte del puzle que conforma la película.

Se hace una crítica a la sociedad norteamericana, a su sistema educativo, a ciertos conceptos de la moralidad y otras cuestiones sociales, a la familia y a la relación entre las personas en general, pero solo se muestran para enriquecer la historia. Rompe con los tópicos que se puedan esperar en su inicio, sobre todo con la presentación de la familia y ciertos personajes secundarios que no son lo que en un principio puedan parecer.

En conjunto, una buena película con un guión inteligente que da una nueva vuelta de tuerca al cine para adolescentes, de superhéroes y la ciencia ficción.

Dirección y guión: Richard Kelly. EEUU 2001. Actores: Jake Gyllenhaal (Donnie Darko), Jena Malone (Gretchen Ross), Mary McDonnell (Sra. Rose Darko), Drew Barrymore (Srta. Karyn Pomeroy), Patrick Swayze (Jim Cunningham), Holmes Osborne (Sr. Edward Darko), Katharine Ross (Dra. Lillian Thurman), Noah Wyle (Profesor Kenneth Monnitoff), Beth Grant (Srta. Kitty Farmer), Maggie Gyllenhaal (Elizabeth Darko), Daveigh Chase (Samantha Darko), James Duval (Jack). Producción: Sean Mc Kittrick, Nancy Juvonen y Adam Fields. Música: Michael Andrews. Fotografía: Steven Poster. Montaje: Sam Bauer y Eric Strand. Diseño de producción: Alexander Hammond.Vestuario: April Ferry.

Donnie Darko despues de Donnie Darko:

En el pasado y quizás de forma retroactiva, para algunos, el estilo y la obra del David Lynch mas televisivo. Tambien las aventuras de Jesucristo, Marty McFly y Phil Connors, el hombre del tiempo, entre otros.

La serie Perdidos cuenta con detalles y ambientes cada vez más cercanos a la obra de Richard Kelly, será cuestión de ver su desenlace.

En noviembre de 2007 en Boston se estrenó una adaptación teatral de la película.

Bat for lashes (ya los reseñé en su momento como uno de mis videos favoritos de todos los tiempos ¿no? pues lo escribo así ahora) realizan el videoclip de su canción Whats a girl to do, un verdadero homenaje que atrapa muy acertadamente el tono de la película sin caer en una recreación o plagio. Carreras de bici nocturnas, chicos disfrazados de animales, Halloween, accidentes de tráfico y una chica de aspecto adolescente salida de un sueño.

En verano de 2008 se anuncia una secuela, S. Darko, con la hermana pequeña de los Darko en acción 18 años despues. La protagoniza la misma actriz que interpretaba a la niña en el original, junto a Justin Chatwin y Elizabeth Berkley entre otros. Siendo justo, debería esperar a ver o saber algo más pero tal y como está planteada D. Darko, una segunda parte carece de sentido a no ser que se creará una saga sobre historias de realismo mágico y ciencia ficción, en un tono a lo American Gothic en las que a posteriori se planteara alguna conexión, o no. Y dudo que ese sea el caso.

Ya puestos, haciendole un nuevo montaje a Jarhead, pues tiene al mismo actor protagonista y se situa algunos años despues, en 1991, se podrían contar las aventuras del atormentado soldado Darko, superviviente de un extraño accidente de juventud cuya complicada vida lo ha llevado a ser reclutado (por un oficial incompetente o un ejercito avido de carne de cañón) como via de escape a su enfermedad y problemas personales. Contariamos con al menos una divertida e igual de surrealista segunda parte. Conejos gigantes en la carretera de Kuwait a Bagdad aspirando el olor de la victoria. Desde luego, hacer un chiste sobre un conejo y la Berkley sería muy fácil.

EL CLUB DE LOS CINCO EN INTERZONA

HMS IMPLACABLE

En su origen fue el Duguay-Trouain francés que participó en Trafalgar, donde fue capturado por los británicos. Rebautizado, participó en las campañas contra Rusia y Dinamarca durante el resto de las guerras napoleónicas. Dejó el servicio activo en 1842 y después de cumplir varias funciones pasó a acompañar al Victory en Portsmouth (Reino Unido), siendo hasta 1949, uno de los barcos más antiguos conservados. Ese año, debido a la crisis económica sufrida por el Reino Unido al terminar la II Guerra Mundial se desmanteló, quedando algunas partes del mismo en exposición en el museo naval de Portsmouth. Luego se remolcó a alta mar, siendo hundido con todos los honores sobre el canal de la Mancha.

Cuando hace unos años, sorprendido, encontré las fotos del hundimiento de un navío de línea de finales del XVIII hundiéndose en 1949, sentí que estaba viendo la foto de un autentico fantasma. Siempre es triste ver como se pierde un pedacito de nuestra historia sobre el que trabajaron, y en este caso también, murieron tantas personas, pese al tipo de instrumento que era y para quien servía.

Algo que hay que saber apreciar siempre, es el valor que tienen en sí mismos estos monumentos y el conocimiento que conservan y transmiten por encima de ideologías y nacionalidades y que al menos, en espíritu, nos pertenecen a todos.

http://en.wikipedia.org/wiki/HMS_Implacable_(1805)
http://hmsbd.free.fr/actualite/actualite.htm

AN AMERICAN CRIME

El cine de terror se alimenta de la mitología popular que a su vez se inspira en hechos y personas reales. Sublimando el miedo a lo desconocido, al cambio y a la muerte. A los desastres ocurridos en guerras e invasiones, en represiones, epidemias y hambrunas. A los actos criminales, violaciones, abusos y asesinatos.
¿Qué se esconde detrás del folclore sobre hombres lobo, vampiros, trolls, fantasmas?



An American Crime trata de ser un acercamiento muy personal de su director, Tommy O'Haver a unos de los hechos más espeluznantes de la crónica negra norteamericana.

Ignorando las experiencias de muchos de los testigos y complices del crimen, se centró en las declaraciones de los implicados durante el juicio del caso de Sylvia Likens para construir la historia. Por lo tanto es una película que no hay que entender como una reproducción de los hechos, aunque al inicio se insista en que se han empleado las actas del juicio de forma literal para construir el guión.

Pese a alguna trampa en el argumento y que se emplean ciertos trucos y libertades artísticas para reforzar la historia, considero que es una propuesta honesta y recomendable y necesaria por el tema que trata.

Pese, también a la coincidencia en el tiempo (¿casual? no creo, el proceso de creación y producción de una película puede ser muy largo) con dos casos parecidos recientemente en Austria, el de Josef Fritzl y su familia y el de Natascha Kampusch que pueden aproximar la cinta a la crónica más amarillista.

Situación que evita al tratar a los personajes sin juzgarlos o justificarlos, solo planteando los hechos, evitando el acercamiento más morboso. También la película funciona como un retrato del sur de los Estados Unidos de la época y tiene algo de costumbrista, mostrándonos un mundo opresivo y sórdido pero tambien hasta donde pueden llegar los actos de personas, al menos en apariencia, normales.

Es muy fácil e interesante encontrar información en la red sobre el caso real en el que se ha basado la cinta y sobre la propia película, invito a buscar esos datos e historias.

"El reverendo Bill solía decir en cada situación, Dios siempre tiene un plan para nosotros; supongo que aún no he comprendido cuál era el que tenía reservado para mí".

El personaje de Sylvia se plantea finalmente como una mártir, pero su comportamiento y sus reacciones, aún en lo extremo del caso, en su contexto, la muestran como a una chica normal víctima de un terrible drama.

Excelentes sus dos protagonistas, Ellen Page y especialmente, Catherine Keener.

Dirección: Tommy O'Haver. País: EEUU. Año: 2007. Duración: 98 min. Género: Drama.
Interpretación: Catherine Keener (Gertrude Baniszewski), Ellen Page (Sylvia Likens), James Franco (Andy), Bradley Whitford (Leroy), Ari Graynor (Paula), Nick Searcy (Lester Likens), Romy Rosemont (Betty Likens), Evan Peters (Ricky Hobbs), Jeremy Sumpter (Coy Hubbard), Michael O'Keefe (reverendo Bill).Guión: Tommy O'Haver e Irene Turner.Producción: Henry Winterstern, Kevin Turen, Katie Roumel, Jocelyn Hayes y Christine Vachon. Música: Alan Ari Lazar. Fotografía: Byron Shah. Montaje: Melissa Kent. Diseño de producción: Nathan Amondson.Vestuario: Alix Hester.





A veces me he servido de la información dada en labutaca.net a la que agradezco su existencia, para completar mis reseñas.

JUNO REACTOR Y NATASHA ATLAS. God is God.

LA NIEBLA, DE STEPHEN KING (y Frank Darabont)

Un personaje algo atípico, un ilustrador, cartelista comercial (Thomas Jane) eso sí, en perfecta forma física, y más pendiente de su hijo que Jodie Foster en sus últimas películas (se agradece la dignificación de esa profesión en el cine, olvidemos Persiguiendo a Amy) es el héroe falible y humano de una película más interesante por sus aspectos, inicialmente más secundarios pero importantes, al plantearse en principio como una película de terror sobrenatural de serie B.


Una densa niebla desciende sobre el valle, después de una fuerte tormenta eléctrica, en donde pasan todas las aventuras de King. El movimiento de ambulancias, bomberos, policías y finalmente de tropas, alertan a los protagonistas de que algo puede ir mal en la base militar que hay sobre el pueblo, en la montaña. Finalmente la sirena de emergencias y un leve terremoto ponen en guardia a todo el mundo, un vecino ensangrentado entra en el supermercado avisando de que algo horrible les está atacando. Los vecinos se fortifican como pueden y comienza la verdadera acción...

Sí, sobreviven a ataques de los monstruos que viene con la niebla y a la desconfianza y tensión de los compañeros de asedio.

Pero vemos que los monstruos se comportan como animales normales. No son los típicos seres voraces que atacan a la humanidad con la única razón de impulsar una historia. En la forma de cada especie nueva, brutal e irreal que aparece, reconocemos formas de seres familiares como insectos, pterosaurios o algún tipo de mamífero volador. Cefalópodos o crustáceos terrestres enormes, alguna forma de arácnidos...

Que vienen de una realidad alternativa, traídos a nuestro mundo a causa de un experimento fallido, origen de la niebla. Y digo se comportan como animales normales porque los monstruos actúan como los predadores que son, a veces cazándose entre ellos, a veces cazando personas como una presa natural y fácil.

Los protagonistas demuestran ser, aunque en un tono algo maniqueo, supongo que para aclarar rápido la situación y ganar tiempo en el ritmo, creíbles. Se revelan detalles y habilidades que no son obvias en la presentación de algunos de ellos (muy bueno el personaje de Toby Jones, si hubiera sido el protagonista, la película sería mas genial y un gran fracaso de taquilla).

Nos sorprenden agradablemente o no, sabiendo enfrentarse a la situación o dejandose llevar por el pánico. Otros aunque nos parezcan atractivos y según las reglas del cine más convencional deban sobrevivir, no lo hacen. Y el protagonista, aunque se muestra como un verdadero héroe y líder natural, no carece de defectos y comete errores, no logra imponerse en el grupo, pues la situación le supera, aunque haga casi todo lo posible por salvarse a él y a los suyos, no deja de ser una persona normal, no es un simple arquetipo.

Aunque esta parte de la acción se desarrolla rápidamente y quizás parezca poco creíble, otro punto importante de La Niebla es el enfrentamiento entre los propios supervivientes, un resumen de lo que puede sucederle a un grupo de civiles, en especial norteamericanos, en una situación tan extrema, vamos, que además de enfrentarse a la indisciplina, traición y pánico que desemboque en el caos más absoluto les pasa que...

Una de las refugiadas es la loca del pueblo (excelente Marcia Gay Harden) , una iluminada claramente desequilibrada obsesionada con la religión a la que en principio todos ignoran. Pero al sobrevivir a los ataques de los monstruos por casualidad, su mensaje cada vez más mesiánico y apocalíptico resulta una explicación cómoda y creíble para una gran parte de los encerrados, cada vez más desesperados, que no dudarán en entregar a uno de sus compañeros como sacrificio al gran monstruo de los tentáculos que los rodea.

Justamente lo asesinan por ser complice, suponen, de los ahora para ellos, malvados científicos que han jugado a ser Dios provocando el desastre.

Una parte importante de la sociedad estadounidense, rica en matices culturales al ser un país joven compuesto por emigrantes (los indios aborígenes ya son demasiado pocos y culturalmente casi destruidos) es muy religiosa. Eso se puede traducir en una como mínimo aparente afabilidad y espiritualidad, pero también en un pensamiento dogmático muy peligroso. Por algo el término fundamentalismo se creó en los propios EEUU y hay que tener en cuenta el avance del creacionismo y otras ideologías parejas que tratan de destruir, en el fondo, los avances científicos, culturales y sociales mas progresistas y democráticos. Pero no es esta, desde luego, una ideología propia de ese país, la podemos reconocer facilmente en cualquier parte y época.

Recuerdo una cita de Johnny Cash, profundamente cristiano, un ejemplo nada hipócrita, decir que al ser aficionado a la historia del Oriente Medio Antiguo, desde los tiempos bíblicos hasta la historia romanobizantina, veía en eso un reflejo de su sociedad.

Luego, a documentarse y sacar conclusiones.

Otro punto a favor de esta historia, gracias a la adaptación de Darabont es la de un final sin concesiones aunque predecible. A mí personalmente me hubiera agradado más otro. Las últimas escenas de la película, en especial cuando los supervivientes se esconden del enorme ser con el que se cruzan y ven que su mundo ya no es el que conocían dan a entender eso.

El verdadero desenlace es fuerte, pero no tan arriesgado y coherente con lo que han hecho los protagonistas todo el tiempo. Pero no es un mal final, concluir bien cualquier historia no es fácil.

Creo que no puedo decir más sin desvelar el argumento del todo. Solo decir que si no se ven al final del flim hongos nucleares o personajes adaptandose al nuevo mundo planteado (más propio de la obra de Lovecraft o de una historia de espada y brujería) es por algo.

La progresión de las fotografías con las que ilustro esta opinión dan una pista, algo obvia del argumento del flim, pero no de la forma más evidente del todo. Esto es lo que hay.

Dirección: Frank Darabont. País: EEUU. Año: 2007. Duración: 127 min. Género: Thriller sobrenatural, ciencia ficción. Interpretación: Thomas Jane (David Drayton), Marcia Gay Harden (Sra. Carmody), Laurie Holden (Amanda), Andre Braugher (Norton), Toby Jones (Ollie), Bill Sadler (Jim), Jeffrey DeMunn (Dan Miller), Frances Sternhagen (Irene), Alexa Davalos (Sally), Nathan Gamble (Billy Drayton). Guión: Frank Darabont; basado en el relato de Stephen King. Producción: Frank Darabont y Liz Glotzer. Música: Mark Isham. Fotografía: Rohn Schmidt. Montaje: Hunter M. Via. Diseño de producción: Gregory Melton. Vestuario: Giovanna Ottobre-Melton.